Coorganisée avec la Morgan Library & Museum, cette exposition, la première dédiée aux œuvres sur papier de Renoir, mettra en lumière l'importance des techniques graphiques dans l'évolution de son art. Elle dévoile aussi les liens intimes entre ses peintures et ses dessins, particulièrement à partir des années 1880, quand Renoir s'éloigne de l'impressionnisme mais continue de se réinventer.

Commissariat

Paul Perrin, conservateur en chef et directeur de la conservation et des collections, musée d'Orsay ;

Colin B. Bailey, Katharine J. Rayner Director, Morgan Library & Museum, New York ;

Anne Distel, conservatrice générale honoraire du patrimoine, musée d'Orsay ;

Sarah Lees, Research Associate to the Director à la Morgan Library and Museum, New York ;

Cloé Viala, chargée d'études documentaires au musée d'Orsay.

Les tableaux colorés et joyeux d'Auguste Renoir, son iconographie des guinguettes et des bals publics, ont fait de lui un « peintre du bonheur ». Cette réputation a parfois conduit à le marginaliser parmi les grands peintres de la modernité, au motif que celle-ci ne saurait être que mélancolique ou ironique, désabusée ou désenchantée. Son œuvre propose pourtant une réflexion originale sur la modernité, placée sous le signe de l'amour, entendu à la fois comme force régissant les relations humaines et comme sentiment guidant le regard de l'artiste sur ses modèles, sur le monde et sur la peinture elle-même.

« Je sais bien qu'il est difficile de faire admettre qu'une peinture puisse être de la très grande peinture en restant joyeuse » (Auguste Renoir.)

Coorganisée avec la National Gallery de Londres et le Museum of Fine Arts de Boston, cette exposition offre un regard renouvelé sur des tableaux si célèbres qu'il est devenu difficile d'en percevoir aujourd'hui toute la nouveauté. Pour la première fois depuis 1985 - date de la dernière rétrospective Renoir organisée à Paris - une exposition rassemble un ensemble resserré mais significatif d'œuvres (environ cinquante peintures) de la première partie de la carrière de l'artiste, parmi lesquelles ses plus grands chefs-d'œuvre.

Commissariat

Paul Perrin, conservateur en chef et directeur de la conservation et des collections, musée d'Orsay ;

Christopher Riopelle, Neil Westreich Curator of Post 1800 Paintings, National Gallery, Londres ;

Chiara di Stefano, Associate curator of Post 1800 Paintings at the National Gallery, Londres ;

Katie Hanson, William and Ann Elfers Curator of Paintings, Art of Europe, Museum of Fine Arts, Boston ;

• Avec la collaboration de

  Lucie Lachenal-Tabellet, chargée d'études documentaires au musée d'Orsay.

Connue depuis l'Antiquité, il faut attendre la période moderne pour que son existence soit remise en cause. Elle ne disparaît pas pour autant de l'imaginaire collectif. Figure de pureté ou de l'amant délaissé, elle peut aussi se révéler dangereuse et menaçante, comme dans certaines représentations médiévales. Gage de chance dans la culture asiatique, elle est recherchée en Europe pour ses vertus médicinales. Sa corne, en particulier, est réputée purificatrice. Aujourd'hui encore, la licorne fascine et peuple la littérature fantastique comme les univers enfantins. Elle revêt des significations variées, évocatrice de singularité quand elle est brandie en étendard des différences de genre, ou de succès dans le monde des start-up. 

Une exposition du Museum Barberini, Potsdam et du musée de Cluny - musée national du Moyen Âge, Paris, en collaboration avec le GrandPalaisRmn. 

Artiste, féministe et écologiste d'avant-garde, femme, mère, migrante, touchée par la maladie mentale et chercheuse spirituelle en constante évolution, Leonora Carrington a laissé derrière elle un héritage aussi extraordinaire que radical.

Née en 1917 dans le Lancashire en Angleterre, Leonora Carrington s'est construite à travers le voyage, qu'il soit intérieur ou extérieur. De Florence à Paris, du Sud de la France à l'Espagne, jusqu'au Mexique où elle est devenue une figure culte, son parcours hors du commun a nourri une œuvre à la croisée du surréalisme, de la mythologie et de l'ésotérisme.

Cette exposition, rassemblant 126 œuvres, est la première d'envergure en France consacrée uniquement à l'œuvre de Carrington. Elle présente Carrington comme une "Femme de Vitruve" : une artiste totale, représentant un modèle en terme d'harmonie et d'innovation. Ses créations fusionnent humain et animal, masculin et féminin, donnant forme à un monde où métamorphoses et symboles se répondent.

À travers une approche chronologique et thématique, ainsi qu'une présentation inédite de ses créations visionnaires diverses, le parcours explore les thèmes et centres d'intérêts principaux de l'artiste : découverte de l'art classique italien à Florence durant l' adolescence, fascination pour la Renaissance, origines celtiques et post-victoriennes, ou encore participation au surréalisme pendant son séjour en France.

L'exposition met ainsi en lumière l'héritage exceptionnel de cette voyageuse perpétuelle, toujours en quête de connaissance d'elle-même.